Cerrado por paro voluntario

Queridos lectores… Sí, cerramos por paro voluntario de la redactora. He tomado la determinación de dejar Faro de Vigo y trasladar mis bártulos de vuelta a la capital, con la esperanza de encontrar algún trabajo que me ayude a ganarme el pan con dignidad, y a ser posible, que me permita seguir ofreciendo material periodístico en esta página. Cualquier consejo, ayuda o propuesta será recibida con ilusión. Espero encontraros aquí cuando llegue el momento. Mientras tanto, muchos besos a todos.

Goly

Vísceras valleinclanianas

Crítica de “Retablo”. Compañía Teatro Perro

Pese al riesgo que toda innovación implica, la organización de las Jornadas de Teatro Valleinclaniano está viendo su trabajo compensado por el esfuerzo de las compañías invitadas y la fiel asistencia del público arousano. El fin de semana pasado, la compañía de la Universidad Complutense de Madrid, Teatro Perro, llevó a cabo uno de los más complejos montajes de Valle-Inclán. Al silenciarse la música y apagarse las luces, uno entiende porque el gran autor vilanovés es, incluso hoy en día, tan poco representado, tan poco comercial, para los grandes montajes.
Un texto complejo, que requiere toda la atención del público para entender lo que sobre el escenario sucede, una puesta en escena difícil y audaz y unos contenidos que no dejan indiferente a casi nadie son sus cartas de presentación. Brutal y descarnado, irreverente y sacrílego, la cara más dura de Valle sorprendió el pasado domingo al auditorio vilanovés, que en más de una ocasión no pudo evitar hacerse cruces ante algunas de las más crudas afirmaciones que salpican el drama de actos. Pese a la dureza de las imágenes, especialmente en La Rosa de Papel y La cabeza del Bautista el trabajo actoral fue casi impecable y arrancó aplausos espontáneos y acongojados a los presentes. El acompañamiento musical elevó en el último momento el tono emocional de los actores que sorprendieron al público en el golpe de efecto final, la creación de un retablo sacrílego, rebosante de esperpento valleinclaniano.

Publicado en FARO DE VIGO, el Viernes, 4 de agosto de 2006

Marionetas del destino

 

La belleza de la destrucción, de lo macabro y lo tenebroso, da a luz al esperpento de Valle-Inclán. Una de sus creaciones más atemporales, el Retablo de la Lujuria, la Avaricia y la Muerte llega a Vilanova en el festival de teatro anual de la mano de la compañía de la Universidad Complutense de Madrid, Teatro Perro.

La Galicia que bebe supersticiones, oscuridad, engaños, caminos sinuosos y misterios que nunca han querido llegar a resolverse. La Galicia mágica y atrayente, poblados sus caminos de brujas, sombras, maldiciones y muerte. La tierra que queda reflejada en toda su grandiosa miseria en las piezas del Retablo valleinclaniano, que la compañía madrileña Teatro Perro pondrá en escena el domingo por la noche en el parque vilanovés del Xardín Umbrío.
La superación del espacio y el tiempo, el erotismo, la avaricia, la entrega generosa y la muerte. Personajes como sombras, anónimos, impotentes frente al destino, frente al ser todopoderoso y probablemente cruel que maneja los hijos de sus vidas.
El grupo Teatro Perro ha buscado los retruécanos más esperpénticos del escritor arousano para formar con ellos la base y el detalle de su propio Retablo. Creado por Cayetana Martínez en 1996, a través de su periplo por los complejos caminos del teatro universitario, Teatro Perro ha sido merecedor de diferentes premios y menciones en muestras y certámenes. Entre ellos destaca la Mención Especial del jurado del V Certamen de Teatro Complutense a la mejor caracterización y vestuario por La Posadera, de Goldoni, en el que logró el premio a la mejor actuación masculina David Barrocal. Paco Puerta, Sofía Tierno, Irene Martos y Alba Toajas han sido nominados y ganadores también en diversas ediciones del certamen universitario. Conocidos por sus apuestas arriesgadas y lo rompedor de sus montajes, logró la mención especial del jurado del VIII Certamen de Teatro Complutense a la innovación y el riesgo con Calígula III, y raro ha sido el año en el que no han acaparado premio o mención a la escenografía y la dirección.
Entre las piezas representadas destaca por su belleza y crueldad Ligazón, que, en su misterio elevado a dogma casi religioso, constituye la auténtica, y quizá única, tragedia sin posibilidad de solución.
En ella el erotismo adquiere toda su fuerza fatal, identificada la moza, en un primer momento, como la sirena mítica que lleva al caminante a la perdición con su canto embaucador y, después, como serpiente tentadora de los evangelios. La avaricia se encarna en la ventera y la raposa, que pretenden ayuntar a la mozuela con un hombre rico para su propio beneficio. Rebelándose contra ellas, la lujuria se apodera de la moza y del afilador comprometido que cede al embrujo y al ofrecimiento de la joven. La pasión de la carne mueve también los actos del “bulto” que de noche encuentra la muerte en la venta cuando buscaba sexo y placer.
La Rosa de Papel, subitutulada “Melodrama para marionetas”, al igual que la celebérrima La Cabeza del Bautista, atrae y repele por su crueldad, por la belleza desazonadora de sus personajes: Floriana, la Encamada, y el antihéroe por excelencia, Simeón Julepe, en quien se resumen lo absurdo, lo cruel y no inevitable.
Al final, la rosa arde, el telón cae, la avaricia y la lujuria conducen a la muerte inevitable, a la pérdida de la voluntad humana ante el destino.
El auto sacramental se consuma, y los personajes, la bruja, la engañadora, el engañado, el borracho, la muerta, la asesina, el miserable, componen la escena final, la del hombre que, enajenado y vacío, es el inevitable punto de encuentro entre la más alta virtud y el más rastrero de los vicios.

Publicado en FARO E VIGO, el 28 de julio de 2006

Teatro perro

Del amor y la crueldad

Los caminos oscuros, brumosos, en la Arousa de finales del siglo XIX, brujas,  miserias, desgracia, odio, amor. La muerte como piedra de toque de cada uno de los designios humanos. La compañía madrileña Teatro Perro pone en escena la mirada más descarnada de Valle-Inclán con el ‘Retablo’.

Amor y muerte, amor y dolor, contrapuestos que son uno y se funden tras el telón que oculta los más terribles sentimientos. Sufrimiento derivado de la lujuria, de la avaricia, de los más primitivos estadios del hombre. Todos ellos reflejados en la prosa compleja y certera del Valle-Inclán más oscuro, el que escribió Retablo de la avaricia, la lujuria y la muerte, una pieza enmarcada como pocas en el ambiente de la comarca de O Salnés del siglo pasado.
La compañía Teatro Perro, de la Universidad Complutense de Madrid, pondrá en escena, el próximo 30 de julio, cada una de las piezas que compone este retablo, a cual más desazonadora y oscura.

Siluetas de oscuridad y muerte. Con una puesta en escena y un trabajo profesional más allá del teatro universitario, y que les ha valido, entre otros, el premio a la mejor dirección artística en el VI Certamen de Teatro Complutense, y la selección en el VII Festival Internacional de Teatro Universitario de la Universidad de Murcia, Teatro Perro logra llevar a buen término las superlativas complejidades de cada una de las escenas.
Engloba el contenido oscuro y predestinado de las piezas de este macabro retablo La cabeza del Bautista, obra mítica que resucita el sacrificio del Bautista por una funesta Salomé. Avaricia y lujuria desembocan en un trágico final. De nuevo, amor y muerte, amor y dolor, que se funden en el beso último que La Pepona dedica al cuerpo inerte del Jándalo a quiene ella misma ha aniquilado para evitar la ruina. El vértigo de la acción en torno al crimen contrasta con la quietud del momento de la muerte. La Pepona, sublime en su acto fatal, auna la supuesta felicidad, con la más terrible de las desgracias. La muerte, por sus propias manos, del hombre amado.

La banda sonora. Una historia de cine

Desde aquellas primitivas filmaciones a finales del siglo XIX cuando el sonido del piano acompañaba a las mudas imágenes en blanco y negro, la música ha estado siempre intrinsecamente unida al cine, aunque no siempre se ha podido hablar de Banda Sonora Original.

La primera música se usaba en el cine, sobre todo, para paliar el horrible ruido que hacían las bobinas de las películas al pasar. Al poco, esta música comenzó a escogerse en función de las escenas que se veían en la pantalla. Fue en 1908 cuando surgió, en la práctica, la primera banda sonora original de la Historia del Cine, concebida especialmente para reforzar la expresividad de determinados pasajes de una película. En esta fecha, dos compositores, Camille Saint-Saëns y Mihail Ippolitov-Ivanov, crearon varias piezas para las películas El Asesinato del Duque de Guisa y Stenka Razin. Esto, más que ser tomado como ejemplo, fue visto como algo original y un poco excéntrico dentro de un mundo que no cesaba de evolucionar. En 1914 se producen cuatro películas con un fondo musical creado para ellas. Un año después, se sube a diez.

La desenfadados años 30… O Casi.
Esta época se caracterizaría por una mayor profesionalización de la música de cine, con los nombres de Erich Korngold y Max Steiner a la cabeza. La música sufría una metamorfosis, pasando de un acompañamiento constante, a un empleo más selectivo para subrayar ciertos momentos. Según Steiner “en aquella época, en las películas dramáticas se usaba la música únicamente cuando lo exigía el guión. Entre los productores, directores y músicos dominaba siempre el miedo a que les preguntaran de dónde salía la música. Por eso no ponían nunca música, a menos que pudiera explicarse por la presencia de una orquesta, fonógrafo o radio, que ya estaba especificado en el guión”.
Los cineastas se dieron cuenta de la gran fuerza del silencio en las películas habladas. Afirma Steiner que productores y directores “empezaron a añadir un poquito de música aquí y allá para acompañar escenas de amor o secuencias mudas”, en la primavera de 1931.
Al principio, la música se ajustaba a la acción de modo bastante burdo, y se tomaba de los archivos musicales. Esto cambiaría en 1933, con la película King Kong, cuando el citado Steiner demostró lo que se podía llegar a hacer con una partitura original totalmente sincronizada con las imágenes. Tras ella, llegaron Lo que el viento se llevó, Casablanca y decenas de filmes, recordados por la estupenda música de Steiner.
Pero sin duda fue durante los años 50 cuando el gran público comenzó a tomar más en cuenta la música de las películas, un cambio de actitud que los estudios rentabilizaron animando a sus compositores a escribir temas vendibles, melodías y canciones que pudieran editarse en disco. Por ejemplo, la canción «Moon River», de Johnny Mercer y Henry Mancini para Desayuno con Diamantes vendió más de un millón de copias. A todo ello contribuiría, por supuesto, la mejora técnica de los sistemas de grabación sonora.
La renovación de los 60.
Nuevas figuras ahora internacionalmente reconocidas, como Mancini, Barry, Morricone o Jarre invaden el sonido de las películas. Durante esta década se obvia bastante, en general, lo que es una banda sonora instrumental, en favor de múltiples canciones que muchos no creen necesarias, ya que venden más (todo es cuestión de dinero) los intérpretes populares con temas que nada tienen que ver con la película, que los compositores consagrados. De este modo, además, los estudios consiguen reducir gastos al ahorrarse un compositor. Es también la época de los grandes musicales, como la ya mítica West Side Story.

Los noventa
Pero sin duda la mayor variedad (tanto en el buen como en el mal sentido de la palabra) de la música de cine, se produce en la década de los 90. A principio reinaron las canciones no compuestas exclusivamente para una película, en una descarada carrera comercial que no sólo sirviese de promoción para la cinta, sino también valiese para que en la hucha de la productora entrase la mayor cantidad de dinero posible. El punto de partida para algunos lo pone Prince con Batman. Aunque casi todos los críticos coinciden en señalar como la gran beneficiaria de esta política a Cuatro Bodas y un Funeral, una discreta producción cinematográfica de la que no se cesaba de hablar en la radio debido a la magnífica recopilación de canciones que se podía encontrar en su metraje.
En definitiva, hoy en día nadie puede concebir una película sin una banda sonora, sin una música que acompañe y se adapte a las imágenes que estamos viendo. Y aunque algunos directores de cine casi despreciaron este elemento cinematográfico (“No me gusta la música de las películas. Detesto ver a un hombre en el desierto muriéndose de sed con la orquesta de Filadelfia detrás de él”, comentó John Ford), muchos otros no dudaron en utilizarlo (incluido el propio Ford) para dotar de una mayor calidad a sus producciones.

Publicado en FARO DE VIGO, el 13 de octubre de 2006

“Noche de fiesta” en la carpa del marisco

Apenas dejamos atrás hace unos días el verano y ya se nos echa encima el puente de octubre y la fiesta gastronómica meca por excelencia. Mañana por la noche darán comienzo los actos con la Gala Musical de la Fiesta del Marisco. Raúl, Roser y compañía sobre el escenario.

Qué tienen en común Raúl y Santiago Auserón? ¿Y Alaska y Roser? Pues poco más que haber compartido escenario y fecha en los actos culturales organizados por el concello meco para la Festa do Marisco.
Los organizadores de la fiesta gastronómica más sonada de toda Galicia han decidido atravesar la línea y dar el salto (incomprensible para muchos), que separa la barrera entre Fangoria, Las Malas Lenguas y la concursante de aquella pasajera gloria de Popstar. ¿Por qué? Nadie se ha atrevido aún a preguntárselo.
La cuestión es que las grandes estrellas del cartel de este año de la Festa do Marisco son, por este orden, Raúl y Roser que participarán en una gala en la que no estarán solos. Acompañados por Son Pasión, Lis y los grovenses Carlos Otero, Diana y Marusela, los jóvenes artistas darán rienda suelta a toda su creatividad sobre el escenario. Coreografías a lo Flashdance y mucho público adolescente.
Ídolo de quinceañeras.
Con cara de no haber roto un plato en su vida, Raúl Fuentes ha plastificado carpetas y dormitorios de decenas de adolescentes desde que quedase en el segundo puesto para concursar en Eurovisión en 2000 (detrás de Serafín Zubiri), con la tarareadísima ‘Sueño su boca’.
As de corazones es su tercer disco, publicado en 2003 y editado por Kike Santander.
Roser, la voz femenina de la gala, comparte con Raúl, además del escenario, al productor Francesc Pellicer, quien lanzó su primer disco tras el paso de esta joven catalana por el concurso Popstar.
Pero la noche de mañana también tendrá su representación más autóctona con la actuación del conocido compositor Carlos Otero, habitual de las veladas de O Grove.
Publicado en FARO DE VIGO, el 26 de septiembre de 2006

Factoría Teatro

Miserias morales de hoy en día

Con cinco premios María Casares y el aplauso tanto de crítica como de público, el grupo Factoría Teatro representará esta noche ‘Tío Vania’, en Vilagarcía.

Son muchas las adaptaciones y reinterpretaciones que de las obra de Chejov se han hecho a lo largo de los años. No en vano es uno de los dramaturgos más representados en todo el mundo.
La compañía gallega Factoría Teatro ha acometido este trabajo desde una perspectiva hasta ciert o punto infrecuente. La agrupación teatral ha centrado la fuerza de la obra en la relación de los personajes, en la historia en sí que se sucede sobre el escenario. Para lograrlo ha dejado a un lado la tradicional representación histórica y ha puesto su esfuerzo en el trabajo actoral, más que en la escenografía o la situación temporal.
La acción ha pasado a ser algo actual, a plantear al espectador situaciones y sentimientos con los que se puede llegar a identificar, más allá del punto histórico en el que fue escrito.
Los miembros de una familia entran en conflicto con la llegada del profesor y su joven mujer, la bella Elena, que provoca la angustia entre los rutinarios moradores de la finca, obligándolos a tomar conciencia de sus miserias personales y sacando a flote las frustraciones, desengaños y amarguras de todos y cada uno de los miembros de un clan aparentemente bien avenido.

Alfredo Rodríguez [actor]

“El nuestro es un trabajo honrado y el público ha sabido valorarlo”

–Vuestra obra de teatro Tío Vania, de Antón Chejov, fue la gran vencedora de los premios María Casares, ¿os esperábais una acogida tan buena?
–Teníamos once nominaciones, y acabamos llevándonos cinco premios, así que no está nada mal. Había algunos premios que sí esperábamos, como el de mejor actriz, para el que estaban nominadas Anabel Gago y Rocío González [foto de la izquierda]. Ellas eran dos de las tres nominadas, así que pensamos que sí, que acabaría alguna con el premio, y al final se lo llevó Anabel. Lo que más nos sorprendió, la verdad, fue la gran cantidad de nominaciones, y, sobre todo, la nominación y el premio al mejor montaje.
–¿Qué crees que aporta esta nueva versión de la obra de Chejov para que haya llamado tanto la atención del público y de la crítica?
–Sobre todo, el trabajo de dirección de actores, lo novedoso de la propuesta. Hemos montado una obra clásica haciéndola mucho más cercana. Los personajes, la escenografía y el vestuario son actuales. Todo esto hace que el tema sea mucho más cercano para el público actual. Está representado de un modo atemporal, destacando la parte más humana de la obra, el verdadero conflicto y la relación de los personajes dentro de la casa.
–¿Ayudan los premios a la repercusión de la obra? ¿Son una garantía para llegar mejor al público?
–Sin duda, es un reconocimiento a tu trabajo. Nosotros estamos volviendo a representar Tío Vania un poco por la nueva expectación que ha levantado tras los María Casares. Ya teníamos en marcha el nuevo montaje, Os homes só contan ate tres, pero existe un interés por parte de las entidades culturales y los concellos porque llevemos a Chejov. Además, para nosotros este es un montaje muy satisfactorio. Hicimos en el Teatro Principal de Santiago, hace poco, la vigésimoprimera y vigesimosegunda representación y ambos días llenamos. Creo que el nuestro es un trabajo honrado, y el público y los compañeros de la profesión, que son quienes otorgan estos premios, han sabido valorarlo.
–¿Cómo valoras la situación actual del teatro en gallego?
–Intento ser optimista. El problema en este aspecto es que, cuando logras vender el espectáculo, sí que hay un público dispuesto a ir, pero que no es nada fácil vender una obra en gallego. El verdadero problema está en la distribución, no existe un mercado fluido y eso hace que la calidad de las obras se resienta, porque cada puesta en escena es casi un nuevo estreno, teniendo en cuenta la cantidad de tiempo que pasa entre las diferentes representaciones. Existe un apoyo de determinadas instituciones, pero sí creo que no jugamos con las mismas condiciones que la gente de fuera. El teatro en gallego se mueve en salas más pequeñas, con menos distribución y un enfoque muy diferente. A eso hay que añadir el problema general de la falta de hábito de consumo de teatro, lo que no sucede con otras artes, como la música, que sí tiene un mercado y se consume de manera más habitual.

Publicado en FARO DE VIGO, el 29 de septiembre de 2006

La nueva visión artística

Promocionar el talento de la juventud artística, ahondar en las raíces de unión de dos regiones tan cercanas como ocasionalmente dispares, como son Galicia y el Norte de Portugal. Estas son las principales, pero no las únicas premisas sobre las que gira la VII Bienal Eixo Atlántico que, durante este mes de septiembre, mostrará sus obras en la sala vilagarciana de Rivas Briones.

Como frontera fluida y visible se extiende el río Miño entre el gallego y el portugués. Una frontera que, por ocasiones, se hace un inmenso lago inabarcable e intransitable y que, por otras, queda reducida a un diminuto meandro, que puede saltarse casi sin coger impulso. Galicia mira hacia el norte del vecino luso, y lo siente cercano, similar, a pesar de las obvias diferencias. Dos primos hermanos que saben, aunque no lo digan, que tienen entre sí muchas más similitudes de las que pueden reconocerse en un primer vistazo.
Es por eso que iniciativas como la Bienal de Pintura de Eixo Atlántico, que en este 2006-2007 celebra su séptima edición, ayudan de un modo real y cercano a que las ciudades que giran en torno a este único eje, hablen el idioma que hablen, contemplen y admiren el trabajo de los jóvenes talentos que anidan en sus calles.

El arte ha sido durante milenios uno de los principales hilos unificadores de las más diversas culturas y nacionalidades. Aunque, en ocasiones, los políticos no se entiendan, los artistas logran casi siempre la comunicación, pues, incluso teniendo en cuenta las diferencias culturales, idiomáticas o generacionales, el artista habla en todo momento una única lengua: la de la creación.
Los jóvenes talentos reunidos en torno a esta exposición itinerante, que estará durante el mes de septiembre en la sala Rivas Briones de Vilagarcía, para después recorrer diferentes ciudades gallegas y lusas durante dos años, tienen un mismo hilo conductor, una misma pasión, pese a que su manera de expresarla, el cauce que le dan, sea radicalmente diferente en más de una ocasión.
Una de las principales ventajas con las que cuenta una exposición itinerante es el alto número de público al que llega. Porto, Viana do Castelo, Ferrol, Lugo, Vila Real, Braga, Santiago y Vigo son sólo algunos de los enclaves que estas obras visitarán.
Otra ventaja es que esta bienal no es sólo una exposición. Es un certamen, un concurso en el que el jurado, integrado por artistas, periodistas, directores de entidades financieras y diferentes personalidades, ha elegido un primer premio del certamen, dos segundos premios (uno gallego y otro portugués) y dos menciones especiales, también una para cada nacionalidad. El prestigio y el reconocimiento que da, ya no formar parte de la exposición, sino el haber acaparado alguno de los premios, es algo con lo que más de un artista sueña, cuando deja los pinceles al final del día.

Esta exposición tiene un punto común, el mismo que posee la representación artística actual: la variedad. Diferentes técnicas, diferentes enfoques, diferentes modos de acercarse a un mismo objetivo.
En las paredes de la sala vilagarciana cuelgan óleos, técnicas mixtas sobre telas, maderas o cobres, témperas, acrílicos, carboncillos, serigrafías, esmaltes. Figuraciones, abstracciones, reflejos, dibujos. Si acaso se pudiese sacar un único tema, una escuela de estas obras, todas ellas pertenecientes a jóvenes talentos del territorio gallego y portugués, esta sería la variación, la innovación técnica conviviendo con el regreso a la mirada más clásica.
La nueva visión pictórica, influenciada por el diálogo con otras artes plásticas como la publicidad, asoma en las creaciones de estas jóvenes promesas del pincel.

Publicado en FARO DE VIGO, el 15 de septiembre de 2006

Entrevista a Raúl Barcelos

 

 

 

En España faltan aún diez años para entender lo que yo hago”

El trabajo de Raúl Barcelos resulta impactante, llamativo, directo. Desde las fuentes de la publicidad y el diseño de la imagen, su primera exposición individual llega al auditorio de Vilagarcía cargada de originalidad, ideas propias y fantasías rescatadas del imaginario colectivo.

En un primer vistazo su exposición “Visiones reflejas” sorprende. En una segunda mirada, asombra. Diseño gráfico, mensaje escrito, nuevas técnicas y diferentes modos de ver aplicados a un mismo fin: la explosión creativa. A unos días de descolgar sus obras de la sala del auditorio de Vilagarcía, hablamos con el artista segoviano sobre los infinitos matices de su obra.
_Hoy por hoy aún sorprende al público la mezcla entre ilustración, la fotografía y la publicidad. ¿Es complicado el panorama para este tipo de creación plástica?
_ Sí, la gente se queda bastante sorprendida. Yo no me considero precursor de nada, pero estoy luchando mucho para que se reconozca este tipo de arte. Hay gente muy purista a la que no le gusta esta mezcla, que sólo quieren ver o fotografía o pintura, cuando lo cierto es que si te mueves un poco y vas a exposiciones o a citas como ARCO, ves que hay pocas cosas puras hoy en día.
_¿Qué fue primero, la publicidad o la obra artística?
_Siempre me ha gustado mucho el diseño y la publicidad, y he estado dedicado a ello durante mucho tiempo. Esto es una vena creativa de expresión, es pura creatividad que no busca vender cuadros.
_¿Estamos preparados en España para esta mezcla de técnicas y de estilos?
_Personalmente creo que aún quedan unos diez años, más o menos, para que esto se empiece a entender y a aceptar. Para mí la mezcla enriquece, es lo más impactante de todo. Si sólo creas pintura, o ilustración o fotografía es sólo eso, pero si lo unes todo se ve de manera diferente. Hoy por hoy, no hay mucha gente haciendo esto, se puede ver en algunas galerías y en algunas revistas y el impacto visual es inmediato.
_El impacto de tus creaciones, de hecho, es algo muy llamativo, muy publicitario, como el uso del lenguaje escrito en los cuadros.
_La publicidad es algo instantáneo, llama la atención enseguida y eso es lo que busco. La mezcla de tipografías se suele hacer en los carteles publicitarios y a mí me gusta mucho. Es un tipo de trabajo que me encanta y que disfruto.
_Esta es tu primera exposición individual, ¿ha sido complicado el proceso?
_Bueno, yo me encontraba bastante reticente a exponer, porque a la hora de vender un cuadro en una exposición individual, estás sólo frente al público, y eso da un poco de miedo. Otra de las cosas que me ha hecho retrasarlo es que quería que fuese todo muy correcto, muy pensado. No se trataba sólo de colgar los cuadros en una sala y ya está. Hay que buscar más, hacer otro tipo de composiciones. En esta exposición, al final, por falta de medios no se ha podido hacer, pero lo que en verdad busco es traspasar el marco, hacer una composición visual que abarcase las obras, tipografía en las paredes. Ir un paso más allá. Al final todo resulta ser muy ortodoxo, pero es muy complicado y lleva mucho tiempo y necesita unas condiciones concretas.
_¿Cómo valoras el mercado del arte en un terreno tan complicado?
_En general vender es muy difícil. Hay mucha gente que hace casi de todo, y que pide muchísimo dinero por las obras. A mi me habían dicho que pidiese más, pero será por la vena de publicista, he intentado adecuar el precio al objetivo. Además, yo no busco vender, no es mi prioridad. Lo que realmente quiero es que queden bien, lo de las ventas ya no depende tanto del artista, sino del público.
_En las galerías y en el mundo especializado, ¿existe un mayor aperturismo hacia esta visión artística?
_En las galerías me he encontrado prácticamente de todo. Hay gente que te dice que debes pintar algo, lo que sea. Y que piden que la obra sea “única”, cuando una obra es única si hay menos de siete reproducciones. Pero a mi cuando empiezan así ya no me interesa. Sin embargo hay otra gente a la que sí sé que ha gustado mucho. Y en concreto ya tengo otras dos exposiciones apalabradas, bastante interesantes, pero aún sin cerrar.

Publicado en FARO DE VIGO, el Viernes 25 de agosto de 2006